Nata a Parigi il 25 dicembre del 1911, Louise Bourgeois ha assunto, lentamente ma progressivamente, un ruolo fondamentale nel mondo dell’arte contemporanea. Protagonista di una lunga ed elaborata carriera artistica, è ricordata come una delle artiste contemporanee più influenti del Ventesimo secolo. La sua carriera abbraccia sette decadi, con una produzione che si intensifica e incrementa soprattutto negli ultimi trent’anni della sua longeva esistenza, cioè a partire dagli anni ’80 quando l’artista è già ultra settantenne.
Considerata una tra le più eminenti artiste del XX secolo, è divenuta simbolo del pensiero femminista, pur non avendolo posto coscientemente come obiettivo del suo lavoro. Louise viene ritenuta infatti un punto di riferimento essenziale in un orizzonte artistico ancora prevalentemente maschile. Posta più volte di fronte alla questione da numerosi interlocutori, ribadisce di pensarsi come artista prima che come femminista, e che i temi affrontati nel suo lavoro sono pre-gender, cioè elementi che appartengono peculiarmente a ogni essere umano. A questo proposito cita la gelosia, fulcro della sua produzione, come sentimento che non appartiene esclusivamente a un solo genere, ma coinvolge indistintamente tutti gli individui.
Infanzia, Trauma e Fonti d'Ispirazione
Louise Bourgeois è cresciuta alle porte di Parigi, dove i genitori gestivano un laboratorio di restauro di arazzi. La sua infanzia è stata segnata da un rapporto complicato con la famiglia, che ha portato a esperienze traumatiche che sono state una delle principali fonti di ispirazione per la sua arte. La sua vita è stata però indubbiamente indirizzata da subito verso una valorizzazione della libertà e dell’affermazione individuale, cosa che, per una bambina o ragazza cresciuta negli anni a cavallo tra le due guerre, non era sicuramente scontata.
L’azienda tessile di famiglia si occupa infatti di restauro di tessuti. Filati e intrecci, nello stesso tempo, sono parte integrante della quotidianità della maman, tessitrice di professione, e dunque l’arte tessile entrerà a far parte in modo spontaneo anche della ricerca artistica della figlia. A 12 anni aveva iniziato a disegnare le sezioni mancanti degli arazzi che richiedevano riparazioni. L’ago quindi, nell’ottica d’ispirazione femminista della madre, viene visto come simbolo della sottomissione e del servilismo della donna dell’epoca, sebbene la madre auspicava per la figlia a una carriera indipendente, che non dovesse limitarsi all’umile manovalanza di una “craft-woman”.
Il nucleo tematico attorno a cui la sua intera produzione cresce e si espande è senza dubbio autobiografico, principalmente coincide con la dimensione dell’infanzia, cui fanno da corollario essenziale le figure genitoriali, su cui alternativamente si concentra: quella del padre prima e, negli ultimi 15 anni di lavori in particolare, quella della madre. "La mia infanzia non ha mai perso la sua magia. Non ha mai perso il suo mistero." Il drama di cui parla fa riferimento infatti alla dimensione traumatica vissuta da bambina a causa del comportamento del padre. Louise non gli perdonerà mai il tradimento della madre, durato una decina d’anni, con quella che doveva essere la sua insegnante d’inglese e governante, una donna che quindi viveva in casa, in famiglia, oltre a quello che dall’artista viene vissuto come un vero e proprio abbandono.
Leggi anche: Sostenibilità del Legno Composito
Louise Bourgeois nacque in una famiglia di contraddizioni. Suo padre era un provveditore di successo, ma era anche la più grande minaccia per la sicurezza di Louise. La tata e tutrice convivente di Louise, supposta protettrice e guida, era in realtà l'amante di suo padre. Durante tutta la sua giovinezza Louise assistette alla brutalità quotidiana di una casa definita e minacciata allo stesso tempo dall'affetto. Visse la cruda verità sulla fragilità del carattere umano. Provò gelosia, rabbia, paura, solitudine e confusione.
Louise Bourgeois - ITA ENG FRA
Nel 1932 Louise, poco più che ventenne, perde la propria madre, a seguito di complicanze dovute all’influenza spagnola. L’evento altamente traumatico, dato il profondo legame che intercorreva fra madre e figlia, irrompe come uno spartiacque nella vita dell’artista: dopo un tentativo di suicidio, abbandona gli studi di matematica e intraprende la formazione artistica presso l’Académie des Beaux-Arts.
La Filosofia Artistica: Esorcismo e Processo Creativo
La chiamata dell’Arte arriva proprio sul declivio di una vicenda familiare disseminata di tradimenti, abbandoni, inganni e morte. Il trauma s’incista nell’esigenza espressiva di Bourgeois come una ripetizione da contenere, ripensare, rimodellare. Louise afferma che il tema nasce sempre dall’inconscio, ma la forma deve essere diretta, pura, essenziale. La sua pratica artistica diventa allora una diga sottile, un ordito che trattiene e trasforma, un confine poroso che raccoglie e restituisce la materia incandescente del sentire. Perché il corpo è troppo piccolo per emozioni tanto vaste, troppo esile per reggere il peso dell’invisibile, così dice Louise.
Ribadisce più volte che a Louise interessa il processo creativo, non il risultato. Si concentra sul percorso catartico del dare forma alle opere, non sull’oggetto a cui si arriva. Questo infatti la porta costantemente a voler distruggere parte delle opere che produce, subito dopo averle concluse, in alcuni casi rendendo necessario l’intervento del suo assistente o di suo figlio per evitare che i suoi lavori vengano danneggiati irrimediabilmente. Attraverso la sua arte, Louise Bourgeois ha indagato le complesse dinamiche della psiche umana e ha spesso affermato che il processo creativo era una forma di esorcismo: un modo per ricostruire ricordi ed emozioni al fine di liberarsi dalla loro presa.
Il suo mondo, fatto di intensità emotiva e ossessioni, trae ispirazione dall’inconscio, cercando di esprimere l’indicibile. Bourgeois si apre così a una poetica del perturbante, in grado di esorcizzare traumi e inibizioni. "La mia scultura mi permette di rivivere la paura, di darle un corpo, in modo da cancellarla a colpi di scalpello. Nella mia scultura dico oggi quello che non sono riuscita a dire in passato. Poiché le paure del passato erano legate alle funzioni corporee, riaffiorano nel corpo. Il mio corpo è la mia scultura. Faccio disegni per sopprimere l'indicibile. L'indicibile non è un problema per me. Anzi, è l'inizio del lavoro."
Leggi anche: Metodi Alternativi all'Unione con Spinatura
Temi Ricorrenti: Il Ragno, le Cells e la Spirale
L'opera della Bourgeois è costellata da simboli e metafore ricorrenti che esprimono le più profonde inquietudini dell'inconscio.
Il Ragno: Maman e la Figura Materna
In quest’ottica risulta centrale la figura del ragno, che viene elaborata nelle sue opere ad oggi più popolari. L’aracnide inizia ad essere rappresentato su carta sin dagli anni ’40, ma è solo dalla metà degli anni ’90 che la produzione scultorea della Bourgeois si focalizzerà in modo importante su questo soggetto, portandolo sino alle dimensioni monumentali che gran parte del pubblico mondiale riconosce. Nonostante l’apparente aspetto alieno di queste gigantesche sculture, che sembrano uscire da un film distopico di fantascienza, il ragno per Louise è principalmente il simbolo della madre, tessitrice, dunque figura benevola, protettrice, paziente.
È spesso rappresentato anche con una sacca di uova in rete metallica e assume dimensioni gigantesche, "Le mie emozioni sono inadeguate alla mia dimensione, le mie emozioni sono i miei demoni". "Sono intelligenti e protettivi", dice Louise a tal proposito, "Uccidono le zanzare". Al di là della figura materna, il ragno rappresenta chiaramente anche la sua pratica artistica, come nota il suo assistente Jerry Gorovoy, perché la ragnatela emerge dal suo corpo, proprio come le sculture emergono da Louise. Maman (1999) è una delle opere più iconiche di Louise Bourgeois, e appartiene alla serie di sculture che vedevano il ragno al centro delle sue opere.
Le Cells: Isolamento e Dolore Emozionale
Tra le sue installazioni più esplicitamente autobiografiche, le Cells - realizzate tra il 1989 e il 1993 - ricreano architetture che Bourgeois ricordava fin dall’infanzia. Questa serie di opere è forse la sua più famosa, e per i critici probabilmente la migliore: interni densi, claustrofobici, densi di associazioni. "Le Cells rappresentano vari tipi di dolore: il dolore fisico, quello emotivo e psicologico, quello mentale e intellettuale. Ogni Cell ha a che fare con la paura. La paura è dolore. Spesso non viene percepita come tale, perché si maschera sempre. Ogni Cell ha a che fare con il piacere del voyeur, il brivido di guardare e di essere guardati. Le celle ci attraggono o ci respingono."
"Gli oggetti nelle Cellule sono fragili. Il fatto che nella maggior parte dei casi non sia possibile entrarvi ha a che fare con la fragilità degli interni. Questo è un problema quando vengono mostrate al pubblico." In una delle ultime opere, appartenente alla serie The Cells, The Last Climb (2008), Louise sembra forse giungere ad una sorta di pacificazione con il drama sopra menzionato. Sembra infatti che il dolore sintetizzato dalla forma di spirale, sia stato in qualche modo portato ad un’evoluzione. Qui infatti vediamo una scala dalla forma di spirale che sembra portare fuori, verso l’alto, un emergere dallo spazio delimitato della Cell.
Leggi anche: Vantaggi Pannelli OSB 3
La Spirale: Controllo, Espressione e Liberazione
Il segno della spirale ritorna in molte opere, dal disegno alla scultura con vari materiali, tra cui il tessile, fino all’installazione. Per Louise questa figura è simbolo di controllo e ordine, deriva da una torsione, dalle spolette di filati e lane, certamente, ma anche dal torcere la stoffa, una gestualità recuperata dall’infanzia quando al fiume vicino all’atelier di famiglia, lavava i tessuti per dare il suo contributo. Dallo strizzare i panni dopo averli sciacquati, dalla torsione per far fuoriuscire l’acqua in eccesso, da questo gesto semplice ma forte, l’artista estrae l’importanza del dover “buttare fuori”, esprimere.
Louise riferisce anche di aver sognato che l’amante del padre soffocasse in una spirale, e così anche in questo simbolo ritroviamo tutta la tragicità del trauma, del dolore e del rancore della piccola nei confronti del padre e di ciò che ha indelebilmente segnato la sua infanzia e tutta la sua esistenza. La spirale è il tentativo di controllare il caos. Ha due direzioni. Cominciare dall'esterno è paura di perdere il controllo; l'avvolgimento è serrarsi, ritirarsi, comprimere fino a sparire. Cominciare dal centro è affermazione, muoversi verso l'esterno rappresenta il dare e l'abbandonare il controllo; la fiducia, l'energia positiva, la vita stessa.
Materiali e Tecniche: Dal Legno all'Incisione
Louise Bourgeois ha esplorato ogni disciplina immaginabile, senza mai legarsi a una tendenza particolare. Oscillando tra il figurativo e l’astratto ha affrontato tematiche come gelosia, rabbia, paura e solitudine - spesso con toni autobiografici - su una ampia gamma dinamica di media: anche se è nota soprattutto per le sue sculture, ha creato dipinti, installazioni, disegni, incisioni e arazzi. Straordinaria è la varietà dei mezzi e delle tecniche impiegate, una fertilità e curiosità nello sperimentare che la pone a fianco dei grandissimi artisti del secolo scorso.
Dopo un’iniziale accostamento all’astrattismo pittorico americano, la sua ricerca si evolverà in ambito scultoreo e installativo, utilizzando di volta in volta materiali e tecniche differenti. Dalle prime strutture sottili in legno (Sleeping figure, 1950, New York, Museum of modern art) si è rivolta all'uso di materiali non tradizionali, accostando parti finemente rifinite a masse di materiali diversi non lavorati. Triangoli di legno impilati creano la parvenza di una figura umana in una delle prime sculture di Bourgeois, Senza titolo (1950).
Le sculture “primitive” del Metropolitan Museum of Art di New York potrebbero aver influenzato la sua forma simile a un totem, così come i dipinti degli espressionisti astratti. Nelle opere si vede in nuce la personalità dell’artista: la tensione quasi rabbiosa propria di tutta la sua produzione si materializzano nella scelta del legno grezzo e dell’impilamento asimmetrico. La materia (latex, gesso, stoffa, legno) mostra rigonfiamenti su ogni lato che rendono angusto, quasi una grotta, lo spazio della famiglia e della convivialità.
La multiformità delle tecniche usate può permettere agli artisti che sperimentano tanti mezzi differenti senza sceglierne uno definitivamente di tornare a ogni materiale utilizzato con un rinnovato modo di osservarle e utilizzarle. La transdisciplinarità linguistica, e non semplicemente l’interdisciplinarità, è il carattere dell’arte della seconda metà del Novecento. "Tutti questi stati dell’essere, del percepire e del fare sono espressi da processi che ci sono familiari e che hanno a che fare con il trattamento dei materiali: il versare, il fluire, il gocciolare, il trasudare, l’incastrarsi, l’indurirsi, il coagularsi, lo scongelarsi, l’espandersi, il contrarsi e gli aspetti volontari come lo scivolare via, l’avanzare, il raccogliere, il lasciar andare."
Anche se si è dedicato ampiamente alla pittura e al disegno, nel corso degli anni sarà soprattutto la scultura a costituire una parte fondamentale del suo lavoro. Il disegno è usato per rappresentare ricordi e stati emotivi: dall’amore alla felicità, dalla paura alla rabbia per sfociare nella disperazione; il suo universo interiore. I soggetti - che variano da rappresentazioni figurate ad astrazioni vere e proprie - rimandano a un simbolismo personale, passando per l’anatomia, l’architettura, la geometria ed il mondo naturale, senza mai allontanarsi dalla produzione scultorea. La sua scrittura quasi ossessiva, così come il disegno, rimasero forme di espressione centrali per tutta la sua vita.
La Bourgeois nasce nel 1911 ed inizia a disegnare in età molto giovane, aiutando i suoi genitori nel restauro degli arazzi, progettando modelli che necessitano di riparazioni. Con il passare del tempo, i disegni diventano parte integrante della sua vita, una sorta di diario di viaggio in cui raccontare il proprio essere, le proprie emozioni più significative, strumenti in grado di calmare la sua ansia interiore. Incisioni originali, bulino e punta-secca, firmate a matita dall'artista, sono state realizzate per diversi portfolio, testimoniando la sua maestria anche nel campo della grafica d'arte.
Dal 1951 (anno in cui muore il padre) comincia a soffrire di profonda depressione e inizia un percorso nella psicoanalisi. I soggiorni che dal ’67 la vedono in Toscana - a Pietrasanta, Querceta e presso le cave di marmo di Carrara - sono piuttosto lunghi; lavora a opere che un articolo di J. Patrice Marandel ripercorre già su “Art International” nel dicembre del ’71. Col marmo ha dunque un rapporto particolare: il blocco non è considerato qualcosa cui imporre il proprio progetto, ma un materiale da assecondare, in cui sono già inscritti segni e direzioni che prenderà la scultura. Buchi, crepe, venature, striature sono i segni visibili di una storia della materia a cui ricongiungersi. La materia non è per lei un’entità passiva, ma storia e memoria.
Riconoscimento e Impatto Artistico
È infatti solo nel 1982 che con una retrospettiva del MOMA ottiene riconoscimento a livello globale, una fama mai avuta in precedenza. La sua popolarità aumentò con la partecipazione alla documenta nel 1992 ed alla Biennale di Venezia nel 1993, in quest'ultima ha ricevuto il Leone d'oro alla carriera. Negli anni più maturi, l'artista si occupa in maniera approfondita di temi come la sessualità, la famiglia e la solitudine, rappresentando immagini trasfigurate del membro maschile nelle sue installazioni e celebrando il concetto di maternità con enormi sculture filigrane a forma di ragno; si tratta di opere di carattere onirico spesso ripetute per essere poi installate in diverse città, dell'altezza di una decina di metri.
La Tate Modern di Londra le ha dedicato un'ampia retrospettiva in occasione del suo novantacinquesimo compleanno (2007), destinata a continuare in diverse sedi di prestigio tra cui il Centre Pompidou. Nel 2024 sono state allestite in Italia le importanti mostre dedicate all'artista Louise Bourgeois. L’inconscio della memoria (Roma, Galleria Borghese) e - come parte del progetto Louise Bourgeois in Florence - Do not abandon me e Cell XVIII (Portrait) (Firenze, Museo Novecento e Museo degli Innocenti).
L'opera di Louise Bourgeois si eleva con sicurezza al di sopra delle classificazioni. Il suo contributo estetico abita sinceramente uno spazio che è sia figurativo sia simbolico. È grottesco eppure sublime. Ha esplorato ogni disciplina immaginabile, senza mai legarsi a una tendenza particolare, eppure ha inventato alcune tendenze lungo il cammino.