L'arte giapponese si distingue per la sua profonda raffinatezza e il rispetto delle tradizioni, essendo radicata in una storia millenaria. Le espressioni artistiche nipponiche si estendono a forme come la pittura, la scultura, l'architettura e l'arte del tè. La maestria nell'uso del colore e delle linee, unita all'equilibrio tra vuoto e pieno, caratterizza le opere con una straordinaria armonia. Attraverso il concetto di "wabi-sabi", sa celebrare anche la bellezza dell'imperfezione e la natura mutevole dell'esistenza. Questi elementi si combinano creando un patrimonio artistico unico e affascinante, che affonda le sue radici nella filosofia e nella cultura del Paese del Sol Levante.
In generale, la sua espressione si contraddistingue per una profonda attenzione ai dettagli, la simbiosi armoniosa tra natura e uomo e la predilezione per l'eleganza essenziale. L'origine della produzione artistica risale alle antiche civiltà indigene, ma subisce significative influenze culturali cinesi e coreane durante i periodi Yayoi e Kofun. In seguito, l'arte sviluppa uno spirito distintivo, amalgamando le influenze esterne con la sensibilità estetica autoctona.
Il Periodo Edo: Un'Età d'Oro per l'Arte e la Prosperità
The Edo period was an incredible time in Japan's history. It was a time of peace and prosperity after the constant wars of the Warring States period. A time of social realignment, with the samurai class falling and the merchants gaining power. Shortly after the Edo period began, the Shogunate started issuing edicts barring foreigners from entering or even trading with Japan. The government was suspicious of western ideas, particularly Catholicism, which the Spanish and Portuguese used as a tactic to colonize countries. The sakoku (lit: locked country) policy stopped Westerners from entering Japan or Japanese citizens from leaving, and it was in place for over 214 years.
Con il termine xilografia, in Giappone, si conobbe a partire dal XVII secolo una vera e propria rinascita ad opera degli artisti della scuola Ukiyo-e fondata da Moronobu (1625-1694). Lo sviluppo di questa scuola, in contrasto con le tradizionali scuole Kano e Tosa che da tempo erano espressione della cultura aristocratica e religiosa, traeva alimento dai cambiamenti storici che il Giappone stava attraversando. Dopo secoli di guerre tra i signori feudali delle province - tanto che in questo periodo il Giappone fu soprannominato Sengoku (“Paese in guerra”) - a partire dal 1600 si instaurò un ininterrotto periodo di pace che si protrarrà fino al 1868, un’epoca di prosperità e benessere nota come era Tokugawa o periodo di Edo.
Ed è proprio nella città di Edo (l’attuale Tokyo), la nuova capitale che sostituirà la vecchia Kyoto sede del palazzo imperiale, che si avviò quel processo di sviluppo della cultura urbana che ebbe come protagonisti la classe dei mercanti e degli artigiani. Guardati con disprezzo e sospetto dalla classe dei nobili, essi stavano accumulando enormi ricchezze e, desiderosi di immagini che esprimano al meglio la vita gaudente alla quale erano dediti, trovarono nell’arte Ukiyo-e - le “Immagini, pitture (e) del mondo fluttuante (Ukiyo)” - i loro migliori rappresentanti.
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Ukiyo-e: Immagini del Mondo Fluttuante e la Xilografia Giapponese
Le tecniche artistiche tradizionali, come la pittura sumi-e e l'incisione ukiyo-e, esprimono tutta la maestria di questa cultura nell'uso delle linee fluide e dei toni sfumati. Come si chiamano le stampe giapponesi? Il loro nome è legato al significato di "ukiyo-e", un termine che vuol dire, letteralmente, "immagini del mondo fluttuante." Queste incisioni sono un'espressione artistica tradizionale del Giappone, sviluppatasi durante il periodo Edo, tra il 1603 e il 1868. Le stampe giapponesi originali, rappresentando scene di vita quotidiana, paesaggi, attori teatrali, donne o fanciulle e temi mitologici impressi con grande dettaglio e raffinatezza.
Il processo di creazione di una xilografia coinvolge la stampa a rilievo, dove lo stampatore intaglia un blocco di legno al contrario. Gli stampatori iniziavano disegnando il progetto iniziale, che veniva poi consegnato a intagliatori esperti che incidevano l’immagine su blocchi di legno di ciliegio. A differenza dell’incisione, che è una tecnica in intaglio che prevede l’incisione di linee su una lastra di metallo, la stampa a blocchi di legno usa l’intaglio a rilievo, dove le aree in rilievo del legno vengono inchiostrate e stampate.
La Produzione Collaborativa della Xilografia
A differenza delle incisioni occidentali su legno, eseguite direttamente dall’artista, nella esecuzione delle xilografie giapponesi concorreva il lavoro di più persone, ognuna delle quali ricopriva un ruolo fondamentale. Il pittore preparava un bozzetto ad inchiostro nero dal quale il disegnatore specializzato (harishita eshi) ricavava il disegno definitivo (shita-e), eseguito su un sottile foglio di carta trasparente (tomguso) che doveva essere sottoposto all’esame degli organi preposti alla censura (dopo il 1791 alla Censura di Stato).
Una volta ottenuta l’approvazione dei censori, il disegno veniva consegnato all’incisore che, incollandolo al rovescio su una tavoletta di legno - in genere ciliegio (sakura) tagliato di filo, ossia parallelamente alle fibre del legno - provvedeva ad intagliarlo. Questa operazione era generalmente eseguita da un incisore capo (kashira-bori) che scolpiva le parti più difficili, mentre il resto della composizione veniva terminato dai suoi assistenti (dobori). Si otteneva in questo modo una prima matrice di stampa nello stesso verso del disegno originario.
L'Evoluzione della Stampa a Colori (Nishiki-e)
A questo punto il legno passava allo stampatore che con una sorta di tampone piatto e rotondo (baren) inchiostrava la matrice e realizzava una prima tiratura di una quindicina di esemplari in bianco e nero (Kyogo-zuri) su ognuno dei quali il pittore interveniva dando le indicazioni per l’uso dei colori quali la densità, la tonalità e la sfumatura. L’incisore intagliava quindi tante matrici quanti erano i colori previsti. Successivamente si procedeva alla stampa partendo dal colore guida con i contorni del disegno, al quale seguivano gli altri. Sulla matrice venivano lasciati due rilievi (kento) che servivano come riferimento per il registro delle varie impressioni, uno in basso a destra (una specie di “L”) e l’altro in alto a sinistra (una semplice linea).
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Inizialmente le xilografie venivano stampate in nero e dipinte a mano nei toni del vermiglio (sono le stampe tan-e) o nei delicati rosa, giallo e verde (beni-e); successivamente, intorno al 1740-45, grazie all’invenzione e perfezionamento del processo di stampa a colori ad opera di Masanobu (1686-1764), scomparve la colorazione manuale dalle stampe e nuove tinte furono aggiunte ai tradizionali rossi, rosa, gialli arancio e verdi, consentendo di ottenere le straordinarie xilografie a colori dette nishiki-e (stampe broccato).
Come venivano realizzate le stampe ukiyo-e? / Curatore Kevin R.E. Greenwood
Temi e Soggetti delle Stampe Ukiyo-e
Sono i ritratti delle bellissime, sensuali cortigiane e geishe - i cosiddetti bijin-ga (“ritratti di belle donne”) - del celebre quartiere di piacere di Yoshiwara a Edo, raffigurate nei loro eleganti kimono di seta preziosamente ricamati; i libri illustrati (ehon); le stampe erotiche (shunga); quelle raffiguranti gli attori del teatro Kabuki, il teatro popolare che si sviluppò a partire dal XVII in contrapposizione a quello aristocratico del Noh, dalla gestualità drammatica e dalla magniloquenza delle pose, con i suoi sfarzosi costumi e le fantastiche scenografie. Ma accanto a questi temi ebbero grande diffusione anche i soggetti naturalistici con stampe di fiori e uccelli (kacho-ga) oppure raffiguranti il paesaggio, un tema, quest’ultimo, nei quali eccelsero i due artisti più noti dell’arte giapponese: Hokusai (1760-1849), del quale si ricorda la celebre serie delle Trentasei vedute del Fuji e Hiroshige (1797-1858) con le sue Cinquantatre stazioni della Tokaido (la strada che collegava Edo a Kyoto). A questi vanno aggiunti i surimono, piccole stampe sotto forma di biglietti illustrati accompagnate da versi augurali, umoristici o satirici. Ma non mancarono stampe con soggetti caricaturali o di satira dei costumi e ritratti di guerrieri storici e leggendari.
In questo senso, uno degli artisti più rappresentativi dell'arte giapponese è Hokusai, la cui opera "La grande onda di Kanagawa" oggi è pubblicata sui supporti più disparati. Non a caso le stampe nipponiche si sono diffuse ampiamente grazie alla loro facile riproducibilità e alla tecnica di stampa xilografica, che le rende accessibili anche agli appartenenti degli strati sociali meno abbienti. Questa caratteristica e il riconoscimento dell'estetica dell'effimero nell'Ukiyo contribuiscono a rendere le stampe un'arte tipica e distintiva del panorama artistico giapponese.
L'Influenza Globale delle Stampe Giapponesi: Il Japonisme
L'influenza delle stampe giapponesi a blocchi di legno si estese ben oltre i confini del Giappone. Le stampe ukiyo-e influenzarono significativamente gli artisti impressionisti e post-impressionisti occidentali, un movimento noto come Japonisme. Artisti come Vincent van Gogh, Claude Monet ed Edgar Degas trassero ispirazione dalle composizioni audaci, dai colori vibranti e dalle prospettive uniche presenti nelle stampe giapponesi, cambiando per sempre il corso dell'arte occidentale. Così, ad esempio, i preraffaelliti apprezzarono di quest’arte l’aspetto primitivo e soprattutto il simbolismo e il linearismo; gli impressionisti, invece, ne esaltarono la luminosità e la solarità dei colori, la frammentazione degli spazi, mentre gli artisti della “Secessione viennese” e poi il Liberty s’impadronirono della loro decoratività e dei motivi ornamentali.
Gli Okimono: L'Arte dell'Intaglio tra Tradizione e Modernità
Piccole sculture decorative, gli okimono rappresentano una grande fetta della produzione di oggetti d’arte giapponesi. Originariamente concepiti per adornare le nicchie decorative chiamate “tokonoma” nelle case giapponesi, oggi sono apprezzati sia come singoli oggetti ornamentali che come preziosi pezzi da collezione. Il termine okimono, formato da oku, mettere, posizionare e mono, oggetto, significa letteralmente “oggetto decorativo da esporre”. Sin dalla loro nascita gli okimono non hanno mai avuto nessun’altra funzione se non quella ornamentale. A differenza, per esempio, dei netsuke, nati con specifiche funzioni pratiche e solo in seguito diventati oggetti da collezione.
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Okimono: Le Origini e la Storia nel Periodo Meiji
Gli okimono divennero particolarmente popolari nel periodo Meiji (1868-1912), quando l’apertura del Giappone al commercio internazionale generò un crescente interesse per la propria arte e la propria cultura in Occidente. Prima di questo periodo, gli intagliatori giapponesi si dedicavano principalmente alla scultura di natura religiosa e all’intaglio di netsuke. Come sappiamo, con la restaurazione Meiji il sistema tradizionale fu completamente rovesciato. Il Giappone subì una radicale occidentalizzazione, sia politica che sociale. Nonostante l’iniziale impatto negativo su molti artisti, fu l’imperatore stesso a sostenere lo sviluppo continuo delle arti. L’obiettivo era dimostrare l’eccellenza degli artisti giapponesi in ogni campo. I notevoli talenti del sol levante furono evidenziati grazie alla partecipazione del Giappone alle numerose esposizioni e fiere d’arte in tutto il mondo. Questo suscitò un grande interesse e una crescente domanda per tutte le arti nipponiche, comprese le sculture.
Materiali e Raffigurazioni degli Okimono
I materiali utilizzati per la realizzazione degli okimono sono vari. Dal legno al corno, dall’osso ai metalli, fino alle ceramiche. Ma il materiale principale è sicuramente l’avorio. Essi vengono realizzati utilizzando blocchi di avorio ottenuti sia dal pieno che tramite l’assemblaggio di più pezzi. I primi sono decisamente più ricercati e di qualità rispetto ai secondi. È grazie a questa grande varietà di materiali impiegati che gli okimono assumono una vasta gamma di forme, stili e dettagli. L’avorio, in particolare, offre una superficie liscia e lavorabile che consente agli artisti di creare bellissime e minuziose sculture. Per quanto riguarda la scelta del soggetto da rappresentare essa può spaziare da ritratti realistici di figure umane a rappresentazioni dettagliate di animali o intricate scene mitologiche. Gli okimono sono in grado di catturare la bellezza e l’essenza dei soggetti rappresentati, trasmettendo emozioni e storie attraverso forme artistiche affascinanti.
La Scuola di Tokyo e gli Artisti più Celebri
Come è facile immaginare gli okimono sono presto diventati l’oggetto dei desideri di molti. Sotto la spinta dell’aumento della domanda di queste nuove incisioni, nacquero nuove “scuole” di intaglio. Qui talentuosi allievi venivano istruiti da maestri esperti. Una delle più note è la scuola di Tokyo, fondata nel 1889 dal più abile e famoso intagliatore dell’epoca, Ishikawa Komei. In questa scuola Komei divenne professore e insegnò in uno stile unico a tutta una nuova generazione di intagliatori. Gli artisti della scuola di Tokyo si sono distinti per alcune caratteristiche particolari: l’attenzione ai dettagli anatomici e alla resa realistica delle figure umane e degli animali rappresentati. Le loro opere si contraddistinguono per l’eleganza, la precisione dei dettagli e la maestria artigianale.
Della gran parte degli artisti non si hanno informazioni o cenni storici di alcun tipo. Di questa moltitudine sappiamo che hanno intagliato in base allo stile durante il periodo Meiji. Solo di alcuni artisti, soprattutto quelli della Scuola di Tokyo, si hanno informazioni aggiuntive. Tra i più celebri artisti giapponesi e le loro specializzazioni troviamo:
| Artista | Periodo/Scuola | Specializzazione/Caratteristiche |
|---|---|---|
| Ishikawa Komei (1852-1913) | Scuola di Tokyo, Teishitsu Gigeiin | Opere in avorio, legno e corno di cervo. Artista-Artigiano della Casa Imperiale. |
| Asahi Gyokuzan (1843-1923) | Scuola di Tokyo, Teishitsu Gigeiin | Composizioni realistiche di teschi e scheletri. |
| Tomokazu (Periodo Meiji) | Scuola di Tokyo, Okada Tsunekichi | Eccezionale riproduzione realistica di animali in avorio. |
| Nakagawa Ryuei | Prima generazione di intagliatori in avorio (Meiji) | Membro della Tokyo Chokokai. |
| Ando Rokuzan (1885-1955) | Manzo, allievo di Otani Mitsutoshi | Sculture in avorio policromo ultra realistiche. |
| Shimamura Toshiaki/Shunmei (1855-1896) | Scuola di Tokyo | Abilità nell'intaglio di avorio e legno. |
| Udagawa Kazuo | Periodo Meiji | Opere in combinazione di materiali (legno, avorio, bronzo, ferro). |
| Miyao Eisuke | Artisti dei metalli | Sculture e vasi in bronzo con dorature, figure umane. |
| Atsuyoshi | Artisti dei metalli, Maruki company | Studi in bronzo finemente modellati di animali. |
| Oshima Joun (Yasutaro) | Artisti dei metalli, scultore | Figurale, vasi, insegnò alla Tokyo Art School. |
| Genryusai Seiya | Artisti dei metalli | Maestria nella lavorazione del bronzo (figure umane e animali). |
| Altri artisti dell'avorio: | Yoshida Doraku, Yoshida Homei, Asahi Kōdō | |
| Altri artisti dei metalli: | Yoshitani, Masatsune, Gyokko, Yoshimitsu, Hideyoshi, Hidenao |
Il Periodo Meiji e l'Assorbimento delle Influenze Occidentali
Nel 1853 il commodoro statunitense Matthew Perry entra nella baia di Uraga con le sue navi e pone fine a più di due secoli di isolamento imposti dallo shogunato Tokugawa (ultimo governo feudale del Giappone, che governò dal 1603 al 1868 - noto come periodo Edo). Da quel momento il Giappone non può più ignorare l’Occidente: iniziano i trattati di commercio e amicizia con Stati Uniti e potenze europee, lo shogunato entra in crisi, il sistema politico si sgretola. Nel 1867 cade l’ultimo shōgun (letteralmente “comandante dell’esercito”), Tokugawa Yoshinobu; nel 1868 viene restaurato il potere imperiale sotto il giovane Mutsuhito, che inaugura l’era Meiji, “l’era illuminata”, destinata a durare fino al 1912.
Nel periodo Meiji il Giappone decide di modernizzarsi ma non nel senso di occidentalizzarsi, intendiamoci, ma di usare i modelli occidentali - politici, economici, industriali, artistici - come strumenti per costruire un proprio futuro. Fino a quel momento le principali fonti di ispirazione erano state l’India, la Cina, la Corea e, in generale, il mondo orientale. Ora sono le potenze europee e gli Stati Uniti a portare nuove tecnologie, nuove forme architettoniche, nuove idee sull’arte e sulla funzione delle immagini. Il governo Meiji chiama in Giappone una serie di “impiegati stranieri” (oyatoi gaikokujin), specialisti europei incaricati di insegnare tecniche e linguaggi moderni nelle nuove scuole. Queste professionalità arrivano principalmente dall’Italia. Ad esempio per la pittura viene chiamato Antonio Fontanesi, per la scultura Vincenzo Ragusa, per l’incisione e l’arte della stampa Edoardo Chiossone, che metterà la sua competenza al servizio della Zecca di Stato giapponese.
Nel campo della fotografia, pionieri come Felice Beato e Adolfo Farsari aprono studi e introducono non solo un nuovo mezzo tecnico, ma anche nuove forme di imprenditorialità legate all’immagine. Le esposizioni universali, da quel momento, diventano fondamentali per due motivi: all’estero, servono a costruire un’immagine del Giappone come Paese raffinato, capace di produrre ceramiche, lacche, tessuti e oggetti d’arte applicata di altissima qualità. In patria, servono a filtrare i modelli occidentali, selezionare ciò che può essere utile allo sviluppo industriale e artistico, e introducono una distinzione che in Giappone non esisteva: quella tra belle arti (bijutsu) e arti applicate (kōgei), categorie concettuali totalmente nuove.
L'Arte Giapponese Durante la Seconda Guerra Mondiale
Rispecchiando l'influenza del buddismo e dallo shintoismo l'arte nipponica spesso celebra la bellezza dell'effimero e la contemplazione della transitorietà della vita. Durante la seconda guerra mondiale, l'arte giapponese subisce notevoli mutamenti e restrizioni imposte dal governo militare. Con l'ascesa del regime autoritario, l'arte diventa un potente mezzo di propaganda nazionalista, utilizzata per incitare il patriottismo e giustificare l'espansione militare. È così che l'arte ufficiale promuove l'immagine eroica del soldato, idealizzando il sacrificio per l'imperatore e la nazione. Allo stesso tempo, la censura governativa limita la libertà di espressione, scoraggiando temi critici o dissidenti.
Nonostante le restrizioni, alcuni artisti riescono a esprimere una forma di resistenza attraverso l'arte, usando simboli criptici o allegorici per veicolare messaggi contro la guerra e di speranza. Tuttavia, la repressione delle istituzioni governative è spietata, portando molti artisti all’auto-censura, gli stessi che temono per la loro sicurezza e la carriera. Nel periodo del conflitto e dell'atomica, dunque, l'espressione artistica è costretta a un'interazione complessa tra potere politico e libertà. Si rivela, così, la manipolazione strategica e il difficile equilibrio tra creatività e regime. Ad esempio, Fujita Tsuguharu è un pittore attivo sia prima che dopo la seconda guerra mondiale, ed è noto per il suo stile unico che combina elementi tradizionali giapponesi con influenze occidentali.
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